Por qué el diseño gráfico es tan importante en la cultura skate
Antes de reconocer unas zapatillas, una tabla o incluso el nombre de una marca, muchas veces reconocemos su gráfico. Una mano azul gritando, una tipografía concreta, un personaje dibujado sobre una tabla o una pegatina pegada en una farola pueden decir mucho más de skate que cualquier explicación.
El diseño gráfico lleva décadas formando parte de esta cultura. Tablas, revistas, vídeos, camisetas, flyers y stickers han servido para construir una identidad visual propia que nunca ha necesitado parecerse demasiado a la del resto.
La tabla de skate también es un lienzo
Una tabla nace para patinar, acabar marcada por los bordillos y perder poco a poco su gráfico. Precisamente ahí está parte de su encanto.
Desde hace décadas, la parte inferior del deck funciona como un espacio donde ilustradores y marcas pueden experimentar. Dibujos, fotografías, collage, lettering, personajes o referencias a la cultura popular convierten una pieza funcional en algo que también comunica quién la ha diseñado y quién la patina.
Eso hace que el material de skate tenga una relación con el diseño bastante diferente a la de muchos otros deportes. El aspecto de una tabla importa incluso sabiendo que probablemente terminará llena de golpes y arañazos.
Los gráficos ayudaron a construir las marcas
Hoy estamos acostumbrados a hablar de identidad visual, branding o dirección de arte, pero el skate llevaba décadas haciendo todo esto a su manera.
Las marcas necesitaban distinguirse en tiendas, revistas y skateparks. Un buen gráfico podía conseguirlo mucho antes de que existieran las redes sociales.
Por eso algunas ilustraciones han terminado sobreviviendo durante generaciones. No funcionan simplemente porque lleven un logo debajo: tienen personalidad suficiente como para reconocerse por sí mismas.
Santa Cruz y una mano que no necesitaba presentación
Uno de los mejores ejemplos apareció en 1985. El ilustrador Jim Phillips creó la Screaming Hand para Speed Wheels, una línea vinculada a Santa Cruz. La imagen de una mano azul con una boca gritando en la palma empezó a utilizarse en stickers y camisetas y terminó ligada para siempre a la identidad de la marca.
No hace falta escribir “skateboarding” alrededor del dibujo para entender de dónde viene. Esa capacidad para crear símbolos inmediatamente reconocibles explica buena parte de la fuerza gráfica de Santa Cruz.
Phillips y otros artistas de aquella generación ayudaron además a definir una estética que mezclaba cómic underground, cultura surf, monstruos, colores exagerados, humor y dibujos deliberadamente incómodos. Una combinación difícil de confundir con cualquier otra cosa.
El skate nunca ha tenido una sola estética
Hablar de “estética skate” como si fuera un único estilo sería simplificar demasiado.
Durante diferentes épocas han aparecido gráficos cercanos al punk, el graffiti, el cómic, la fotografía, el collage, el hip hop, la ilustración psicodélica o incluso el diseño completamente minimalista.
Y ahí está precisamente una de las cosas interesantes: dos marcas profundamente relacionadas con el skate pueden tener lenguajes visuales totalmente distintos.
Durante los años 80 fueron habituales los monstruos, calaveras y personajes ilustrados. En los 90, la llegada del street skating trajo nuevas referencias culturales y otra forma de entender los gráficos. El Design Museum de Londres recoge precisamente esa evolución al estudiar conjuntamente tablas, revistas, vídeos y otros objetos que fueron documentando cada época.
Del deck a la camiseta
Los gráficos no tardaron demasiado en salir de la tabla.
Una ilustración podía aparecer primero en un deck y después terminar en una camiseta, una sudadera, una gorra o una pegatina. Era una forma sencilla de llevar encima la identidad de una marca aunque ese día no llevaras el skate contigo.
De ahí viene buena parte de la importancia que siguen teniendo las camisetas gráficas dentro del skate y el streetwear. El estampado trasero grande, el pequeño logo en el pecho o la ilustración aparentemente absurda tienen una historia bastante anterior al auge actual de las graphic tees.
Lo mismo ocurre con los stickers. Son baratos, fáciles de distribuir y terminan apareciendo en tablas, cascos, farolas, rampas o mobiliario urbano. Una marca puede acabar formando parte visualmente de una ciudad sin necesidad de una campaña publicitaria convencional.
Revistas, vídeos y flyers también construyeron la estética
Reducir el diseño skate a los gráficos de las tablas también se quedaría corto.
Las revistas especializadas fueron durante años una de las principales ventanas hacia nuevas marcas, riders y escenas. La fotografía, las tipografías, la composición de las páginas y los anuncios ayudaban a definir cómo se veía cada momento del skate.
Lo mismo ocurrió con las portadas de VHS y DVD, los flyers de competiciones o los carteles de vídeos. Muchas veces había presupuestos pequeños, impresión sencilla y bastante libertad. Ese carácter DIY terminó creando soluciones gráficas mucho más interesantes que intentar parecer perfectamente pulido.
Cuando el skate empezó a influir en el streetwear
Muchas cosas que ahora asociamos con la ropa urbana llevan muchísimo tiempo formando parte del skate: logos grandes, estampados de espalda, colaboraciones con artistas, ilustraciones provocadoras o diseños inspirados en escenas underground.
Marcas históricamente ligadas al skate como Vans ayudaron además a trasladar esa cultura desde el skatepark hacia la ropa y las zapatillas de uso diario.
Con el tiempo, buena parte de ese lenguaje visual terminó entrando en el streetwear general. Pero su origen importa: muchas de esas ideas no nacieron pensando en una tendencia de moda, sino alrededor de comunidades pequeñas que utilizaban el diseño para reconocerse entre ellas.
Un gráfico puede contar más que un logo
Una buena identidad skate no necesita ser perfecta ni necesariamente bonita. Tiene que tener carácter.
Por eso hay tablas antiguas que todavía se coleccionan, ilustraciones de hace décadas que siguen imprimiéndose y logos capaces de mantenerse relevantes mientras cambian las siluetas, los fits y las zapatillas.
En Cachet llevamos desde 1992 viendo pasar muchas de esas etapas del skate y el streetwear. Las tendencias cambian constantemente, pero hay algo que sigue funcionando igual: cuando un gráfico tiene personalidad de verdad, acaba formando parte de la cultura que lo rodea.